Fotografía: Obra de Daniel Karp en el acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes.
(Por Facundo Sagardoy para momarandu.com) El Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes Ñande (Tr.Gu: Nuestro) MAC recibió de los maestros de artes visuales Paulina Webb, Facundo Maldonado, Silvia Brewda, Juan Pablo Renzi, Inés Vega, Hugo Sbernini, Miguel Bengoechea, Juan Carlos Lasser, Armando Rearte, Gustavo Lowry, Daniel Karp, Mónica Canzio, Karina El Azem, Alejandra Polito, Andreja Kuluncic, Jose Garófalo, Claudia Aranovich, Boyer Rox, Betina Sor, Nora Dobarro, Ladislao Magyar y Diego Perrotta confirmación de nuevas donaciones a su acervo fundacional.
"Desde el Instituto de Cultura ratificamos nuestro compromiso, nuestro acompañamiento a esta iniciativa tan importante, y reafirmamos el compromiso del Gobierno de Corrientes y del Instituto de Cultura de Corrientes de ver de qué manera podemos seguir colaborando", valoró el presidente del Instituto de Cultura de Corrientes, Arq. Gabriel Romero.
"Estuvimos colaborando en el traslado de las piezas y en la posibilidad de seguir acrecentando el patrimonio y las posibilidades. También hemos hablado con algunos miembros de la Comisión -de la AAMAC- para pensar en un museo virtual con la gran cantidad de obras que llegaron. Son proyectos interesantes para seguir aportando al crecimiento de Ñande MAC", expresó.
Por su parte, el artista visual, curador y coleccionista, presidente de la Asociación de Amigos del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes, Ñande MAC, Luis Niveiro, adelantó un breve detalle de las nuevas obras incorporadas al acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Corrientes y agradeció a todos los grandes artistas que han confirmado nuevas donaciones.
"Facundo Maldonado ha donado una obra que explota en colores. Paulina Webb, escultora, también, ya se encuentra en la colección. Daniel Karp, gran fotógrafo, con trayectoria internacional, también lo es. Todos lo han hecho. Agradecemos a todos por su gran aporte en donación a Ñande Mac de Corrientes, Museo de Arte Contemporáneo, y a la Provincia de Corrientes. Bienvenidos", escribió Luis Niveiro desde su residencia en Capital Federal.
Estas nuevas confirmaciones se suman a las ya anunciadas en el transcurso de este año, 2021, por los maestros de artes visuales Pedro Roth, Mabel Rubli, Alicia Díaz Rinaldi, Omar Panosetti y Giancarlo Puppo. Las obras, indicó Niveiro, se encuentran en los talleres de los maestros citados en distintos puntos del país.
PAULINA WEBB
Paulina Webb nació en Buenos Aires. Es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Carcova. Se formó en talleres y cursó un Posgrado en Cruce y Lenguajes Combinados.
A lo largo de su carrera obtuvo Mención de Honor del Salón de La Pampa, Mención del Jurado en el Salón Nacional, Salas Nacionales, el 3° Premio Adquisición Salón Manuel Belgrano que otorga el Museo Sívori, el Salón Anual de Santa Fe, Premio Universidad del Litoral, Salón de Santa Fe, el Premio de la Comunidad de Quilmes, el 1° Premio Salón Apertura Palacio de las Artes Belgrano R, la Mención Escultura XLI Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano, la Mención Salón de Agosto SAAP, el 3° Premio XVIII Salón Municipal de Avellaneda, el 2° Premio Salón de Artes Plásticas, Municipalidad de Quilmes y el Premio Becario de Escultura, Promoción 1989, Ernesto de la Carcova.
Webb realizó numerosas muestras en Argentina, entre las cuales destacan Fundación Saint Germain, Buenos Aires, 1994,
Metáforas de la Memoria, C. C. San Martín, 1997,
Esculturas, Palacio de las Artes Belgrano R, 1997,
Ancestros. C. C. Recoleta, 1998,
Elementos. C. C. San Martín, 1999,
8 Escultores en el Subte, Estación Hernández, 2001,
Lugares. C. C., Recoleta, 2002 e
Imaginario, Galería Thames, 2008.
También ha participado de las muestras
Arte Contemporáneo Argentino en Cuba, Parque Histórico Morro Cabaña, La Habana, Cuba, 1998,
Arte Contemporáneo en Cuba, Parque Histórico Morro Cabaña, La Habana, Cuba 1999,
Arte Contemporáneo Argentino en Holanda, Galería De Singarenfabriek, Delft, Holanda, 1999,
Arte Argentino a Roma, La Pigna, Roma, 2000,
Foundation The Puffin Room, Soho, N. York, Estados Unidos, 2001, y
Arte Argentino en Holanda II, Galería De Singarenfabriek, Delft, Holanda, 2001.
Webb también ha expuesto sus obras en simposios de escultura monumental, entre ellos, the
Sculptures sur neige Volet internacional Fête D'Hiver de Saint- Jean- Port- Joli, Québec, Canadá, 2009,
6º Simposio Internazionale Sculture in Neve, San Martino di Castrozza, Trentino, Italia, 2009,
L´International de sculpture sur neige du Carnaval de Québec, Canadá, 2010,
L'International de sculpture sur neige du Carnaval de Québec, Canadá, 2011,
International Snow Sculpting Symposium Zehnder’s Snowfest 2012, World class snow Sculpting Competition, Michigan, EE.UU., y en the
Budweiser International Snow Sculpture Championships, 2013.
Su obra también ha sido expuesta en muestras colectivas, entre las cuales cuentan participaciones en el Salón Nacional y Municipal, Esculturas en el Jardín, en el Museo Larreta, y en convocatorias de numerosas instituciones nacionales, provinciales y privadas.
FACUNDO MALDONADO
Facundo Maldonado nació en Córdoba, Argentina, en 1975. Estudió dibujo y pintura en el taller de Alberto Tierno y realizó taller y clínica de obra con Jorge González Perrín.
En Maldonado, desde la motivación plástica con colores puros, líneas rotas y perspectivas compelidas, el arte visual toma referencia del expresionismo alemán, del énfasis en lo expresivo del fauvismo, de la territorialidad, construcción cultural y sociopolítica del arte en Antonio Berni, Rómulo Macció, Marcia Schvartz y Jorge de la Vega, del abordaje del color y sus matices en Gómez Cornet y Gorriarena, de la simplicidad natural de Miguel Diómede y de las tensiones visuales en Enrique Policastro.
La obra de Maldonado ha sido seleccionada en el Salón Félix Amador, Quinta Trabucco, Olivos, en 2017, el Salón Nacional de Pintura BANCOR, del Museo Tamburini, Córdoba, 2017, el Salón Nacional de Pintura, del Palais de Glace, en 2012, 2013 y 2015, y en el Concurso Nacional de Pintura UADE, en 2012 y 2014. También ha sido expuesta en The NY Fair Book, MOMA PS1.
Maldonado ha expuesto individualmente
Cosmogonía, curada por Debbie Reda, en Granada Gallery, Buenos Aires, en 2017,
Natura, en el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, San Juan, en 2017,
Facundo Maldonado Pinturas, curada por Pedro Roth, en el Centro Cultural Borges, Buenos Aires, 2014, y
Una Obra Un Artista, curada por Milagro Torreblanca, en Buenos Aires, 2014.
Su obra también ha sido expuesta en las exposiciones colectivas
Diálogos: Perrín + Maldonado en Espacio Modos, Buenos Aires, 2016,
Lightowler/Maldonado/Panosetti en Fundación Pasaje Ochoseiscinco, Buenos Aires, 2015,
Paisaje en tránsito, Andreasevich, Cambas, Ruiz de los Llanos, Maldonado, curada por Eduardo Stupía, en Galería Pasaje 17, Buenos Aires, 2014.
SILVIA BREWDA
Silvia Brewda nació en Buenos Aires, Argentina, en donde vive y trabaja.
Brewda se graduó de Profesora Nacional de Pintura. Desde 1978, realiza exposiciones individuales, colectivas en Argentina y en el exterior, en museos, galerías, instituciones y ferias. Su producción comprende pinturas, obras sobre papel, litografías, objetos, libros de artista, juegos, murales, textiles, sitios específicos e instalaciones.
Brewda ha desarrollado actividad docente desde 1966, con clases a jóvenes y adultos de todos los niveles, y clínicas de obra internacionales para artistas avanzados. También es asesora para proyectos, presentaciones a exposiciones y concursos y coordina seminarios práctico-teóricos sobre propuestas específicas.
Brewda ha participado de exposiciones individuales en espacios de arte en Argentina y en el exterior. Su obra ha sido expuesta en el Espacio de Arte Fundación OSDE, La Vidriera, en el Proyecto ACE, del Centro Cultural San Martín, en Carla Rey Arte Contemporáneo, del Centro Cultural Recoleta, en el Museo Emilio A. Caraffa y Galería Vía Margutta, Córdoba, en el Museo Rosa Galisteo, Santa Fe, en Galería Arteconsult, Panamá, y en el Banco Interamericano de Desarrollo, Washington, U.S.A.
Brewda también ha expuesto en las exposiciones colectivas Salón Nacional de Artes Visuales, Palais de Glace, en Proyecto C.A.L.A. UADE Art, Bienal de Arte Textil, Museo Eduardo Sívori, en la 1ª Bienal del Libro de Artista, Museo Casa Carnacini, en ArteBA, La Rural, Salón Municipal Manuel Belgrano, Museo Eduardo Sívori, en Más Estampa, Fundación Mundo Nuevo, en Papel – Sujeto/Objeto, Palais de Glace, en Juego de Artistas, Museo de Los Niños Abasto, en Proyecto Pandora, Proyecto ACE, en la IV Bienal Argentina de Gráfica Latinoamericana”, Museo Nacional del Grabado, en Libro de Artista, Galería Arcimboldo, en Libros de Artista -de edición-, Galería Isidro Miranda, en Nuevos Aires/New Winds, Proyecto ACE, en Papel Arte Gráfica Contemporáneo, Fundación Rómulo Raggio, y en el Salón Textil Nacional Bolsa de Comercio de Buenos Aires, CAAT.
Su obra también ha formado parte de Artist Book Cornucopia VI, Abecedarian Gallery, Denver, USA, Passage, The Jincheon Printmaking Museum, Jincheon, Corea, de la Biennial International Printmaking Festival, Seoul Museum of Art, Seoul, Corea, de Ancestros (I y II), Uruguay, Museo de Arte Contemporáneo, Salta, de Monumental Ideas in Miniature Books, USA, de la Biennale Internazionale per L’Incisione, Italia, de a Galería da Pinacoteca Barao de Santo Angelo, Instituto de Artes da UFRGS, Brasil, de Universo femenino – Arte y Género, en el Centro de la Cultura, Antequera y en el Centro Cultural Caja Granada de Motril y de Jaén, España, de Puerto a puerto, en el Museo de Arte Contemporáneo, Panamá, de Ultramarinos, en el Museo Interoceánico del Canal, Panamá, de Quinta escala, en Galería Arteconsult, Panamá, de Beyond their intuition, en Praxis Gallery, New York, U.S.A., de Señalar, Navegar, Desplegar, en el Museo de Arte e Historia, el Museo de Arte Contemporáneo y Galería Botello, Puerto Rico, y de Señalar, Navegar, Desplegar, en el Museo de Arte Moderno y el Centro de Cultura Hispánico, República Dominicana.
Brewda obtuvo la Mención 62 Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano, el Premio Mención 25 Salón Bienal de Textil, la 1ª Mención III Bienal de Libro de Artista, Museo Casa Carnacini, el Premio Mención, XI Salón Nacional de Dibujo, el 2do Premio BASF, Galería Praxis, el Premio Mención, Premio Gunther, C.A.Y.C., el Premio Mención, Fundación Pro Arte, Córdoba, el 2do Premio de Grabado, Museo Guaman Poma, Entre Ríos, el Primer y Segundo Premio a la Muestra extranjera 1996, A.I.C.A., en por Señalar - Navegar - Desplegar en Rep. Dominicana y en Puerto Rico, y la Mención de Honor, V Bienal Internacional de Pintura, Cuenca, Ecuador.
Brewda forma parte del colectivo de arte Cruda desde 2015.
JUAN PABLO RENZI
Juan Pablo Renzi es un maestro en artes visuales que nació en Casilda, 1940, y murió en Buenos Aires, en 1992. Entre 1960 y 1965, estudió en Rosario con Gustavo Cochet y con Juan Grela, donde formó su primer Grupo El Taller. Hasta 1962 cursó cuatro años de Bioquímica en la Universidad Nacional de Rosario. En 1966 fundó el grupo de vanguardia Rosario-66, con el que produjo exposiciones, manifiestos y acciones políticas. A partir de entonces , su obra aborda objetos, estructuras primarias e instalaciones.
En planos, diagramas e instrucciones con perspectiva compleja en torno a los mecanismos del pensamiento, el instinto, el afecto y el inconsciente, la obra de Renzi refleja riqueza y amplitud de pensamiento en torno al movimiento artístico, la política y la historia del arte.
En 1967, Renzi presentó sus obras en Pintura Actual Rosario en el Museo Castagnino, Rosario, en Rosario ‘67, en M.A.M.B.A. y en el M.N.B. en Artes de Montevideo y en Estructuras Primarias II, en la Sociedad Hebraica, en Buenos Aires. En 1968, su obra formó parte de Tucumán Arde, un multimedial-político realizado por artistas de Rosario y de Buenos Aires.
Representando a la Argentina en el exterior, Renzi ha participado de numerosas muestras colectivas. En 1970, su obra fue expuesta en el From Figuration to System Art, en el Camden Art Center, Londres, en 1972, en la Bienal de Arte Coltejer, en Medellín, Colombia, en 1974, en Arte de sistemas, en el International Cultureel Centre, en Amberes, Bélgica, en 1977, en el Panorama actual de la joven pintura argentina, en el M.A.B., en Fundaçao Alvarez Penteado, en Sao Paulo, Brasil, en 1978, en la Primera Bienal Iberoamericana de Pintura, en el Museo A.Carrillo Gil, México, en 1980, en Pintura argentina actual, en el Museo de Arte Latinoamericano, en Maldonado, Uruguay, en 1985, en Ideas e imágenes en la Argentina de hoy, en el Museo de Arte Moderno, en México. Sus obras también han sido recibidas por la XVIII Bienal de San Pablo, en Brasil, en 1989, por la II Bienal Internacional de Pintura, en Cuenca, Ecuador, en 1988, por las exposiciones Ideas and Images from Argentin”, llevada a cabo en The Bronx Museum of Arts, en New York, EEUU, en 1990, por Arte por Artistas, en el M.A.M.B.A., y por Artistas de Bs. As., en el Museo de Arte Moderno, México.
Renzi ha expuesto en una numerosa cantidad de bienales, congresos y jornadas de su especialidad, dictado cursos y conferencias, emprendido performances, audiovisuales, multimedias, videos, entre otras intervenciones. Renzi también fue diseñador gráfico y publicista. Entre los años 1985 y 1988 fue profesor de la Especialidad Pintura en la Escuela Superior “Ernesto de la Cárcova”. En 1986 impartió cursos avanzados de “Teoría e Implementación del Color” en el Centro de Arquitectura y Ciudad Buenos Aires. En 1991 fue Coordinador del Taller de Pintura del Centro Cultural Recoleta y de clínica de obra en Rosario. Fue jurado en salones, bienales y concursos, coeditor del “Diario de Poesía” y director de arte de “Lulú”, revista de teorías y técnicas musicales.
MIGUEL ÁNGEL BENGOECHEA
Miguel Ángel Bengochea fue un maestro en artes visuales, pintor y dibujante, nacido en Buenos Aires, que vivió entre 1945 y 2015.
Bengochea fue alumno de Guillermo Ardis, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, junto al maestro Juan Carlos Castagnino en su taller, y cursó estudios de estética plástica con Poletti y Cartier.
En 1967, Bengochea realizó su primera muestra individual en la Galería La Ruche. Un año después, en 1968, viajó a Europa para residir, hasta 1971, en París, Francia, donde colaboró en obras colectivas junto a Julio Le Parc y Francisco Sobrino Ochoa, en tanto, se vincula con artistas destacados y participa en salones, entre ellos, el Salón de Mai.
A su regreso a Buenos Aires, Bengochea expuso asiduamente. En 1974 ganó el Premio de Ridder, fue invitado a la Bienal de París, expuso sus obras en el Museo de Arte Moderno, y emprendió viajes por América Latina y Estados Unidos.
En 1986, Bengochea fue nombrado profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova.También fue invitado por la Academia Nacional de Bellas Artes a participar en el Premio Alberto J. Trabucco.
En 1990, Bengochea presentó una exposición en honor a los inmigrantes en Argentina, donde reveló una faceta esencial de su historia. En 1996, fue invitado a exponer en la ciudad de Lima, Perú. En 1998, el Centro Cultural Borges de la Ciudad de Buenos Aires, lo invitó a realizar una retrospectiva de sus obras del período 1983 a 1996. Amante del cine negro de la década de los años veinte, también expuso Homenaje de Dibujos y Pasteles. En 2013, presentó Generación del 702. En 2014, presentó Múltiples. Sus obras también han sido expuestas en las Bienales de la Habana, Cuba, y de Valparaíso, Chile.
Su obra puede apreciarse en el Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, en el Museo de arte contemporáneo de Bahía Blanca, Buenos Aires, en el Museo Provincial de Tucumán, en el Museo Provincial de San Luis, en el Museo Provincial de Genaro Pérez, Córdoba, en el Museo Contemporáneo de América Latina, Washington, Estados Unidos, y en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
La obra de Bengochea ha sido galardonada con el Primer premio Benson & Hedges, el Primer premio Salón Nacional de Tucumán, el 2° Premio Municipal, el 2° Salón Nacional de Artes Visuales, el 1° Premio Salón Nacional de Artes Visuales, el Gran Premio Municipal “Manuel Belgrano” y el Gran Premio de Honor de Pintura en el Salón Nacional de Artes Visuales.
JUAN CARLOS LASSER
Juan Carlos Lasser fue un maestro en artes visuales que nació en 1952, en Darregueira, Buenos Aires, y murió el 19 de mayo de 2007, a la edad de 55 años.
Lasser estudió en la Mutualidad de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes -MEEBA-.
Lasser fue un maestro, autor de obras abstractas en las que ha explorado el ritmo, la temperatura, las transparencias y las profundidades en el color y, en consecuencia, forjado un cromatismo amplio, que se desarrolla en variaciones de un núcleo compositivo inicial, al que subordinó los criterios de figurativo o no figurativo.
Desde 1973, la obra de Lasser ha sido expuesta individual y colectivamente en Argentina, Singapur, Corea, Cuba, Uruguay, Alemania, Bélgica, Bulgaria y Estados Unidos, en Galería Ática, Fundación Banco Patricios, Galería de Arte Tema, Galería Van Eyck, Praxis Internacional y British Art Centre, en Buenos Aires, en la Galería Sicardi-Sanders, en la Galería de Arte del Fondo Monetario Internacional, en Washington DC. EE,UU., y en la IDB-Staff Association Art Gallery, en la Galería Portales de Tegucigalpa, Honduras, en Naciones Unidas, en el Kumbo Museum of Art de Seul, Corea y en la Leonhard´s Fine Arts Gallery de Brasschoat, Bélgica, entre otros lugares.
A lo largo de su vida, Lasser recibió numerosos premios por su labor artística. Fue galardonado con el Gran Premio LXXXI, Salón Nacional de Artes Plásticas, el Primer Premio de Pintura del Salón Municipal de Artes Plásticas Manuel Belgrano, el Primer Premio del Salón Nacional de Rosario, el Premio Benito Quinquela Martín y el Gran Premio Pintura Fundación Federico Lanús.
ARMANDO REARTE
Armando Rearte es un maestro en artes visuales que nació en General Roca, Río Negro, en 1945, que vivió en París entre 1967 y 1969, y que, actualmente, vive en Zürich, Suiza.
Su obra ha sido expuesta individualmente en Galería Artemúltiple, Buenos Aires, en 1980, en Galería Artemúltiple, Buenos Aires, en 1981, Galería Tema,Buenos Aires, 1983 y 1984, Fundación San Telmo, Buenos Aires, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 1985, Galerie SEC-52, Zürich, Suiza, 1986, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, 1987, Galería Thomas Cohn, Rio de Janeiro, Brasil, 1988, Galerie Inge Baecker, Köln, Alemania, 1989, y en C.A.Y.C., Centro de Arte y Comunicación, Buenos Aires, 1992.
Sus obras pueden apreciarse en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, in The Bronx Museum of the Arts, New York, USA, in the Indianapolis Museum of Art, Indiana USA, en Galeria Ruth Benzacar, Buenos Aires, en el Thomas Cohn Arte Contemporánea, Sao Paolo, Brasil, y en colecciones en Argentina, Alemania, Brasil y Suiza.
GUSTAVO LOWRY
Gustavo A. Lowry es un maestro en artes visuales, fotógrafo, nacido en Argentina en 1957, especialista en Arte, Arquitectura y Diseño Industrial, formado con Ataulfo Perez Aznar, Martin Parr, Giuliana Schime, Andy Goldstein, Hugo Gez, Juan Travnik, Carlos Gorriarena, Roberto Aizenberg y Francisco Moreira da Costa.
En procesos analógicos, Lowry ha desarrollado conocimientos para copiado con el sistema tradicional de blanco y negro y a color y con el sistema analógico de truca con máscaras y, en procesos digitales, es especialista en copiado y escaneos de alta calidad.
Lowry ha dedicado gran parte de su obra al dominio de la iluminación en estudio y en exteriores con proyectos fotográficos junto a otros artistas y director creativo y fotógrafo en cine, instalaciones y videos documentales.
La obra de Lowry ha sido expuesta desde 1997 al 1999, en negativos de vidrio, en numerosos proyectos junto al Museo de la Ciudad de Buenos Aires y el archivo de la Dirección de Obras Municipal de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, junto a la Secretaría de turismo de Buenos Aires, el Centro Cultural de Recoleta, y el Taller Tareas, del Centro de Restauración de la Universidad Nacional de San Martín -UNSAM-. También, ha participado, con tomas fotográficas, de bienales, publicaciones de arte, catálogos y portfolios de estudio de Arquitectura, entre ellos, junto a Dujovne-Hirsch, Clorindo Testa, Torchelo y Caravajal.
Su obra aborda esculturas, objetos, grabados, pinturas, tapices, antigüedades. También ha capturado con seguimiento la restauración del mural de Siqueiros entre 2007 y 2008 y la restauración del Teatro Colón.
Sus fotografías ilustran catálogos de las galerías Der Bruke, Ruth Benzacar y Praxis, de Fundación Klemm, Fundación Proa, del Fondo Nacional de las Artes, y de numerosos museos argentinos.
También ha presentado retratos para el Directorio del Banco MBA, el Directorio Acindar, el Directorio de la Asociación Argentina de Golf y para catálogos de escritores y catálogos de artistas plásticos.
En retrospectiva, su obra gira en torno al retrato y el paisaje natural y urbano en grandes formatos.
Sus obras han sido expuestas en el Museo Sívori, con Paisajes urbanos y retratos, blanco y negro, en 1991, en el Centro Cultural Gral. San Martín, con Desnudos de gran formato, 1992, en Pasaje Dardo Rocha, La Plata, con Autorretratos, 2001, en el Centro Cultural Recoleta, con la Serie Retratos, en la Universidad Católica Argentina, Sala Fray Angélico, La Plata, en el Premio Fundación Federico Klemm, en el Salón Nacional de Fotografía, Palais de Glace, 2002, en la Bienal Nacional de Arte de Bahía Blanca, Buenos Aires, en el Estudio Abierto Harrods, Buenos Aires, con Herbario, 2003, en el Festival de la Luz, Museo de Arquitectura, con Retratos de arquitectos, 2004, en el Museo Caraffa, en el Premio Chandon, en El Sutil Vértigo de la Imagen, Rosario, Buenos Aires PHOTO, en Galería Jacob Karpio, 2005, en el Festival de la Luz, Universidad de San Luis, en el CFD, San Luis. con Retratos, en Horizontes, Hotel Dassler, Buenos Aires, en el Salón Nacional de Santa Fe, en el Centro Cultural de Recoleta, con Paisajes, 2006, en La Plata, con Autorretratos, 2007, en Galería Ángel Guido, con Retratos, en el Museo Caraffa, Córdoba, 2008, en Galeria Ángel Guido, en Arte BA, en Galería Ángel Guido, en Buenos Aires PHOTO, en Galería Jacob Karpio, 2009, en el Salón Nacional de Fotografía, 2010 y 2012, en el Centro Cultural Recoleta Colectiva, 2011, en el CFC, La Plata, 2013, en Parajes, Festival de la Luz, Mar del Plata, y en el Premio Museo Caraffa, 2014.
En el exterior de Argentina, la obra de Lowry puede apreciarse en Cantos Paralelos, en el acervo de la Universidad de Austin, Texas, Tierra Incógnita, Arte Argentino, Brasil, Analogías, Santillana del Mar, España, en el catálogo de la Bienal MERCOSUR, Porto Alegre, Brasil, Bienal de San Pablo, Brasil, en ARCO 99, España, en la Muestra Kuitca Reina Sofía, España, en la Muestra Alfredo Hlito Telefónica, España, en Perder la forma Reina Sofía, España, y en publicaciones presentadas en la Feria del Libro de Guadalajara, 2014.
Su obra ha recibido Mención Honorífica del Salón Nacional de Fotografía, Palais de Glace, 2002, y Mención honorífica, Salón Nacional de Bahía Blanca, Buenos Aires, 2003.
DANIEL KARP
Daniel Karp es un maestro en artes visuales cuya obra se expresa en fotografía, cine y narrativa.
Según Karp, la fotografía tiene mayor relación con la música y la poesía que con la verdad, debido a que en ella se encierran historias que atesoran intrigas y encienden suposiciones, por lo cual, una serie, para Karp, es una película donde llenar huecos, mover personajes de un cuadro a otro y construir, con todo ello, una realidad sobre la verdad o la ficción.
En Karp, la fotografía revela a la figura humana emplazada en la ciudad como telón de fondo de sus propios cálculos matemáticos. Para Karp, el hombre hoy se interpreta encerrado en su propia mente, y solo confrontado consigo mismo y con sus creaciones en el teatro, la literatura, la música y las incógnitas del ser, la civilidad, el amor y el best
Replica Watches 2020 crimen.
La obra de Karp ha sido publicada en portafolios, textos de ficción y en un libro de fotografías sobre Buenos Aires y exhibida en San Pablo, Brasil, La Haya y Amsterdam, Países Bajos, Buenos Aires, Santiago de Chile, Chile, y Los Ángeles, California, Estados Unidos.
Su obra también puede apreciarse en la composición de numerosas producciones cinematográficas argentinas en las cuales se ha desempeñado como camarógrafo y director de fotografía.
MÓNICA CANZIO
Mónica Canzio es una maestra en artes visuales nacida en 1959, Buenos Aires.
Es egresada de la Escuela de Bellas Artes Manuel Belgrano, donde se formó con los maestros Rubén Locasso y José Novoa, siendo fundamental en esta formación la relación que mantuvo con los artistas que allí exponían y en particular con Enrique Matticoli, Julio Alpuy y Martín Blaszko durante su trabajo en la Galería del Instituto Jung de Buenos Aires.
Canzio participó durante más de diez años en las muestras Esculturas en los Jardines del Larreta, convocada por Nelly Perazzo, pilar fundamental de su trabajo. También participó en diversas ediciones de ArteBA, Patio de Esculturas, Galería Van Riel y Guido Art Proyect. Entre 2001 y 2005, formó parte de la Unión de Escultores -UdE-.
Canzio expuso de manera individual y colectiva, en numerosos espacios y salones nacionales. Recibió el 2° premio de Escultura en el Salón Provincial de La Pampa y el Gran Premio Escultura del Salón Municipal del Mar, Mar del Plata.
En la obra de Canzio, esculturas, dibujos y pinturas se desarrollan en serie, entre ellas, La Venus, Estructuras orgánicas e Historias. En escultura, con numerosa variedad de materiales, entre los cuales destacan el hierro, el papel, el vidrio, la madera y el cuero, la obra de Canzio navega por sensaciones que dan curso a un lenguaje plástico característico con el que expresa diversidad, eje fundamental de su creatividad. Su pintura, por otra parte, se orienta a la geometría sensible con bordes irregulares, hacia el gesto, con material y textura frescos, al óleo y con pintura a cuchillo, y aproximación al volumen escultórico con contraste entre lo débil y lo fuerte.
KARINA EL AZEM
Karina El Azem es una maestra en artes visuales egresada de la Escuela Nacional de Bellas Prilidiano Pueyrredón, actual Universidad Nacional de las Artes, 1992. En 2020, completó el Curso Tangible Things, Universidad de Harvard.
El Azem fue Artista en Residencia en los programas Art/Omi en Nueva York, Braziers en Oxfordshire y Wasla en Sinaí, Egipto.
Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado destacan
Los Hilos del Ritual, envío argentino a la 14º Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Curitiba, Museo Oscar Niemeyer,
Diagonal Sur 2, Una lectura de la Colección Tedesco por Philippe Cyroulnik, Centro Cultural Borges,
Pinta New York 2013, envio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires,
Emiliano Miliyo/Karina El Azem, Algunos Artistas/90-Hoy, Fundación Proa,
ArteCareyes 2012, México,
El Espacio en Cuestión, Fundación OSDE,
…de rasgos árabes, proyecto organizado y producido por la Red de Centros de Cooperación Cultural AECID, con la participación de los Centros Culturales de España en Buenos Aires, El Salvador, México, Santiago de Chile y San Pablo, Brasil,
Expreso Bs. As.-Tokyo, Mirai Gallery y D. F., Tokio,
Premio OSDE Mención Fotografía, Fundación OSDE,
Orden y Correspondencia, Sala GasCo, Santiago de Chile,
Contemporáneo 11, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires,
NoTango, Villa Elizabeth, Berlín, Alemania,
Fotografía Argentina, Galería Ruta Correa,
Friburgo, Marcas Oficiales, Centro Municipal de Exposiciones Subte, Montevideo, Uruguay,
II Bienal de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes,
Bienal de Arte Contemporáneo, Mención del Jurado, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca,
Colecciones de Artistas, Fundación Proa,
Das Soll Kunst Sein, Kunstverein, Friburgo,
Szene Buenos Aires, Werkforum Dotternhausen, Alemania,
Karina El Azem-Eric Fajardo, Galería Ruta Correa,
Friburgo, y las Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo
Pinta Miami,
ArtBO,
Art Frankfurt,
FIAC y
ARCO 99.
Sus obras forman parte del acervo en el Museo Nacional de Bellas Artes, en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en la Colección Fortabat, en el MUNTREF Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, el MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, el MAC Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, en la Colección Fundación Alon para las Artes, en Fundación Konex, en Art/Omi, New York, en el Centro Cultural Sao Paulo y en el Museo del Barro, Asunción del Paraguay, entre otras.
El Azem es junto con Alberto Passolini, co conductora del ciclo La Marca Original, Televisión Pública Argentina, Premio Fund TV 2019 al mejor programa Cultural.
Su obra ha sido galardonada con el Premio Ugarit, la Beca Fundación Pollock-Krasner, la Beca del Programa Internacional de Intercambio de Artistas de la Secretaría de Cultura de Presidencia de la Nación, la Beca FURP Israel-ANP y el Subsidio a la Creación de la Fundación Antorchas.
ALEJANDRA POLITO
Alejandra Polito es una artista, maestra en artes visuales, nacida en Buenos Aires, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, formada, también, en los talleres de Rubén Rey, Aníbal Carreño, Juan Maffi, Juan Doffo y Carolina Antoniadis, y en estudios teóricos con Alicia Romero y Jorge López Anaya.
Desde 1990, Polito participa en muestras colectivas e individuales. Invitada por Juan Doffo, junto a Verónica Allocati, Guadalupe Neves, Gloria Passarella, Alejandra Polito, Silvina Reznik y Liliana Gelman, desde 1992 hasta el año 2000 integra el colectivo
Almarmada, etapa en la que desarrolló su obra en torno a una aguda observación del circuito del arte, las diferentes posibilidades del hombre y la mujer en su seno, los símbolos de la femineidad y la acción como medio productivo, con eje en la noción de lo femenino y del “ser mujeres” en relación con la práctica creativa.
Hacia fines de 1990, Polito aborda e investiga el objeto, en tanto, cursa seminarios de posgrado en la Escuela Nacional Ernesto de la Cárcova, y, sumergida en una experiencia nueva, traza con su obra una línea de objetos con materiales orgánicos.
Desde 2005, Polito diseña y realiza instalaciones escenográficas dentro del circuito de teatro independiente.
En 2012 y 2014, su obra emerge en las instalaciones escenográficas Hogar y Umbral respectivamente, en el Centro Cultural Haroldo Conti, y, en 2016, en un exhibición individual en el Centro Cultural Borges, y en
La Línea Piensa, proyecto fundado por Luis Felipe Noé y dirigido por Eduardo Stupía. En 2020, su obra es expuesta en
Artistas por Artistas, Peluscencias, y en 2021 en el desfile y muestra
Mi Vereda.
ANDREJA KULUNCIC
Andreja Kulunčić es una maestra de artes visuales nacida en Croacia, en 1968, que vive y trabaja en Zagreb.
Su práctica artística aborda problemas sociales actuales que expresa con diversas formas de comunicación convencionales, entre las cuales indaga en programas de radio, anuncios y artículos periodísticos.
El arte de Kulunčić se centra en la comunicación de conceptos e ideas sobre temas socialmente comprometidos en un proceso orientado en un lugar basado en objetos.
Kulunčić ha participado en numerosas exposiciones dentro y fuera de Croacia, entre ellas,
Documenta 11, en Kassel, Alemania, 2002,
Manifesta 4, Frankfurt / Main, Alemania, 2002,
la 8ª Bienal Internacional de Estambul, Turquía, 2003,
The American Effect en Whitney Museum of American Art, Nueva York, 2003,
Liverpool Biennial, Reino Unido, 2004, y
Day Labor en PS1, Nueva York, 2005. También ha participado en programas de residencia, entre ellos, la
10° Trienal en India, Jaipur, India, 2001,
Artspace Sydney, Australia, 2002, el
Walker Art Center, Minneapolis, EE.UU., 2003, y
Art in General, Nueva York, EE. UU., 2005.
Desde 2009, Kulunčić trabaja en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Zagreb en el departamento de Nuevos Medios.
JOSÉ GARÓFALO
José Garófalo es un maestro en artes visuales, coreógrafo, performer, docente de tango argentino, nacido en Buenos Aires, en 1964, que, desde principios de la década de 1980, explora el cruzamiento de lenguajes derivados de las artes plásticas, la danza, el teatro y la performance para ahondar en narrativa y poética popular.
Garófalo estudió dibujo y pintura con Guillermo Kuitca entre 1979 y 83, pintó graffitis callejeros, comics y comenzó a exponer en la muestra colectiva
Ex-Presiones en el Centro Cultural Recoleta, en 1982, años en los cuales, además, participó del taller
La Zona junto a Martín Reyna, Alfredo Prior, Rafael Bueno y Sergio Avello, entre otros artistas.
A fines de la década realizó su primera muestra individual y se inicia en la danza-teatro y el tango. Desde 1991, llevó adelante El Rancho Urbano, taller, espacio de experimentación y centro de reunión.
Garófalo es presidente de la Asociación Civil Cambalache desde 2007, y dirige el Festival Cambalache desde 2004. También es docente de tango en la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de la Universidad de Buenos Aires desde 1998 y dirige la Compañía Tragicómica Tanguera desde 2011.
Garófalo ha formado parte de varios grupos de investigación coreográfica, entre los que se destacan la Asociación Civil de Estudio e Investigación del Tango, -ACEIT- dirigido por Rodolfo Dinzel en 1991. Garófalo participó del grupo de investigación liderado por Gustavo Naveira y Fabian Salas en 1995, que luego generaría lo que se llamó la corriente
Tango Nuevo. También participó en el grupo de investigación
Troesmas dedicado a transmitir el conocimiento de los maestros milongueros fallecidos.
En artes visuales, entre sus principales exposiciones individuales destacan
Leyenda de San Galo, Centro Cultural Recoleta, 1989,
Arte en Lofts, Estudio Giesso, 1990,
Recuerdo y Deseo, Estudio Giesso, 1991, Centro de Arte y Comunicación CAYC, 1992,
La era de la flor, Casal de Catalunya, 1993,
Violencia light, Centro Cultural Ricardo Rojas, 1996,
Trópico de la pintura, Fundación Klemm, 1996,
Dolor de ausencia, La Casona de los Olivera, 2001,
Crónicas argentinas, Lelé de Troya, 2003,
Una tormenta tropical en la era del pingüino, Galeria Vasari, 2007,
Destino, Vasari, 2010,
Conjuros, Vasari, 2014,
Identikit, La línea Piensa, Centro Cultural Borges, 2014,
ChaCha, Gallery Aspen, EEUU. 2017.
En 2017, Garófalo presentó el
Sombras…nada más?, en el Rancho Urbano y el ciclo
Performartes en La Botica del Ángel y el Centro Cultural Oliverio Girondo durante el XII Festival Cambalache.
Entre otras distinciones, Garófalo recibió la beca a la creación del Fondo Nacional de las Artes en 1992, 1996 y 2017, el Primer Premio Gunther, en 1993, la Primera Mención del jurado de las XIII Jornadas internacionales de la crítica por la instalación en el C.C.R., en 1994, y fue nominado Mejor artista joven del año en 1998.
En 2015 Ediciones Vasari, con el auspicio de Mecenazgo Cultural, publicó el libro monográfico Garófalo. Pinturas, una recopilación de su obra hasta la fecha, junto a textos de Inés Katzenstein y Verónica Gomez.
Actualmente, Garófalo vive y trabaja en Buenos Aires.
CLAUDIA ARANOVICH
Claudia Aranovich es una maestra en artes visuales nacida el 22 de noviembre de 1956, en la ciudad de Buenos Aires, egresada de la Escuela C. Pellegrini, UBA, en 1973. Con la artista Ana Eckell, entre 1975 y 1977, tomó contacto con el arte contemporáneo y se entusiasmó por lo tridimensional. Comenzó a asistir a la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires en 1975.
Aranovich frecuentaba la casa del escultor Martín Blaszko, como amiga de sus hijas, y observaba la labor del artista. Entre los 20 y 24 años, en el taller del escultor Leo Vinci, aprendió todo lo relacionado con el oficio y sus posibilidades. En 1982, el artista Emilio Renart abrió a Aranovich perspectivas nuevas. A fines de 1981, tras haber completado gran parte de la carrera, abandonó Arquitectura, para dedicarse sólo al arte. Con Jorge Gamarra aprendió a tallar y expandió su visión de la escultura, hacia 1983.
Desde 1981 envió obras a salones y concursos y en 1983 participó en el Premio Arché del Museo Nacional de Bellas Artes y en el Salón Nacional de Escultura de Argentina.
Aranovich expuso en Buenos Aires en las Jornadas de la Crítica, en varios salones, en el
Premio Shaw de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1985; ambientaciones en Fundart y 2-6-4 en 1984. En la Fundación Banco Patricios en 1986 exhibió fragmentaciones de cuerpos cargados de dramatismo. En 1986 recorrió, durante cinco meses, museos y parques escultóricos de Europa, lo que incluyó una experiencia de trabajo en Carrara, Italia. En 1988 recibió mención en el Salón M. Belgrano de Buenos Aires y exhibió en el Centro Recoleta de Buenos Aires.
En 1990 participó en la muestra grupal
Escultura: 10 posiciones diferentes, en la actual Sala Cronopios del Centro C. Recoleta. Presentó allí su nueva serie arqueológica. Luego viajó a México donde exhibió y recorrió sitios arqueológicos. En 1991 en la
IV Bienal de La Habana mostró
Huellas y hallazgos de la edad del trabajo manual, una instalación en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba donde simulaba un museo del futuro en que las herramientas fueran reliquias arqueológicas. Carretillas, palas, picos integraban su vocabulario en esa época.
Aranovich realizó viajes por el norte y el sur de América en los que empezó a investigar intensamente sobre arte en espacios públicos. En 1992 ganó el Concurso Nacional para el Monumento a las Víctimas del Holocausto junto a los arquitectos Waisman y Senra, en Resistencia, Chaco, proyecto que se concretó en 1994 y fue denominado
Monumento a la Humanidad. En 1993, participó del 1er. Simposio de Escultura Monumental en Bahía Blanca, donde realizó una obra en hierro que hoy se halla emplazada en el Paseo de Esculturas. Desde su comienzo en 1991 formó parte de las muestras anuales del Museo Larreta de Buenos Aires, invitada por la curadora Nelly Perazzo.
En 1993, Aranovich ganó una beca de la Fundación Pollock Krasner de Nueva York, en Estados Unidos, para desarrollo profesional. En 1994 exhibió en Fundación Banco Patricios una instalación donde conjugó elementos naturales y otros en resina. Por entonces, empezó su trabajo con resina poliéster en grandes tamaños.
Aranovich participó en la década de 1990 de exposiciones y premios en el Museo Nacional de Bellas Artes. En 1997, nuevamente en la Bienal de La Habana, Cuba, expuso su obra
Tramas de la memoria; y en el Centro C. Borges de Buenos Aires exhibió obras de gran tamaño.
La Fundación Antorchas de Argentina concedió a Aranovich una beca para especializarse en arte público en Europa y Estados Unidos. A fines de 1998, luego de un mes en Nueva York, viajó a Canterbury, Inglaterra, como artista en residencia del Kent Institute of Art and Design por seis meses, en contacto con profesores y estudiantes de escultura, en una ciudad de gran acervo histórico y cultural. Se involucró en la actividad universitaria en varias áreas e investigó sobre arte público y viajó con frecuencia a Londres.
En 2007 en la 1ra. Bienal Fin del Mundo presentó una instalación flotante en la Bahía Encerrada en Ushuaia, Tierra del Fuego, Patagonia argentina. Las Esferas de luz flotaban en esa especial geografía, acompañando las mareas. En 2009 presentó Zona de luz en el Centro Recoleta, que incluía obras con luz y movimiento y fotos sobre metal.
Aranovich viajó como artista en residencia a España en 2004 y 2010 a la Fundación Valparaíso. Allí cerca del Mediterráneo desplegó acciones artísticas y trabajos site-specific. En 2009 obtuvo el 1er. Premio de Escultura del Salón Nacional de Argentina. En 2012, en la Bienal de Escultura del Chaco, realizó una obra en resina con vestigios naturales y circuitos luminosos.
Desde 2002, Aranovich curó muestras en espacios abiertos de museos, ciclos del Terreno de Arte Experimental. Desde 1992 dictó anualmente sus laboratorios técnicos escultóricos para artistas de distintas latitudes. Participó en la 1ra. Bienal del Sur en Panamá 2013 con Las aguas que arrasan. Marea alta, instalación en colaboración con la videoartista M. Bali y el músico G. Gendin, se presentó en el Cultural San Martín de Buenos Aires en 2013.
El Museo Eduardo Sívori de Buenos Aires presentó en 2014 su muestra antológica 1984/2014. En 2015, hizo una residencia en Yatoo, programa de arte y naturaleza en Corea del Sur. En 2016 fue invitada a realizar obras gigantes en bambú en el programa internacional ChengLong en Taiwán.
BOYER ROX
Boyer Rox es una fotógrafa, maestra en artes visuales, nacida en Buenos Aires en 1968. Rox comenzó a incursionar en el mundo del arte a la edad de quince años. Rox estudió fotografía en Bellas Artes de Lomas de Zamora, en la Escuela de Arte fotográfico de Avellaneda, y en el Centro Cultural R. Rojas de Capital Federal.
Su obra ha sido galardonada con el Primer premio en Salón de Pintura y Fotografía 2011, de Espacio 10, la 1° Mención en el concurso “Miradas”, de Buenos Aires en 1997, la Mención en Concurso Fotográfico Bicentenario Argentina-Uruguay 2010-2011, el 1° Premio en Concurso Fotográfico Bicentenario Argentina-Uruguay 2010-2011, la Mención Especial en la Bienal de Fotografía y arte digital de San Luis, con la obra No dejes que llueva, el Premio a la Red de Fotógrafos de Teatro Comunitario, Fotógrafo destacado del año, en el premio Teatro del Mundo.
BETINA SOR
Betina Sor es una maestra en artes visuales nacida en 1963 que vive y trabaja en Buenos Aires.
Sor egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en el año 1986 con el título de Profesora Nacional de Escultura. En el año 2004, obtuvo su Licenciatura en Artes Visuales- orientación Escultura del Departamento de Artes Visuales P. Pueyrredón- U.N.A.- Universidad Nacional de las Artes. Es docente en nivel universitario y primario. En la U.N.A. es Titular de Cátedra por concurso de la materia O.T.A.V. Escultura- niveles I-II-III.
En Sor, la escultura, el dibujo, el grabado, la escritura, la música y lo textil son caminos que recorrer como bocetos de vida con su marca identitaria. En su obra, el hombre y la mujer, y la esencia de lo humano, son objetos de esquemas figurativos de representación de la realidad o poéticos-conceptuales para el abordaje de la palabra como soporte en función de la imagen o viceversa. Su obra, eminentemente metafórica, se vale de materiales y enfoques distintos a través del espacio, el plano, la palabra poética, el texto narrativo, la virtualidad, la música y el bordado para rescatar aquello cotidiano y esencial en lo femenino dentro del arte.
Colectivamente, sea por invitación o presentación a concursos, su obra también se expone desde el año 1980.
Sor ha recibido el Primer Premio – Nueva Bienal de Arte Joven/ categoría Escultura/ C.C. Recoleta y Puerto Madero, 1991, la Mención Salón Municipal Manuel Belgrano/ categoría escultura/ C.C. Recoleta, 1993, la Primera mención “Premio Braque”/ categoría Escultura/ Fundación Banco Patricios, 1993, el Subsidio a la creación artística – Fundación Antorchas/ categoría Escultura, 1996, el Tercer Premio – Salón Nacional de Artes Visuales/ categoría Escultura/ Palais de Glace, 2000, el Subsidio Línea creadores – Fondo de Cultura B.A. del Gobierno de Bs. As. Secretaría de Cultura, 2004, y el Segundo Premio – Salón Nacional de Artes Visuales/ categoría Escultura/ Palais de Glace, 2009.
La Legislatura de la ciudad de Buenos Aires declaró “Personalidad Destacada en el ámbito de la cultura a la artista Betina Sor”, artista y docente comprometida con la cultura popular y la docencia, en 2020.
NORA DOBARRO BODÉ
Nora Dobarro Bodé es una maestra en artes visuales nacida en Buenos Aires el 30 de enero de 1942. Dobarro Bodé es Maestra de dibujo egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en 1971 y Profesora de Pintura egresada en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en 1974.
Desde 1978, Nora Dobarro Bodé ejerce la docencia en su taller de pintura.
Dobarro Bodé ha expuesto en numerosas muestras individuales y colectivas, tanto en Argentina como en el exterior y, actualmente, forma parte del acervo en las colecciones de los Museos de Arte Moderno de San Pablo y Río de Janeiro, Casa de las Américas, Cuba y del Museo del Bronx de Nueva York, EE.UU..
Tras una serie de viajes por Sudamérica su obra se ha desarrollado con excelencia en la serie ecológica Las dos fuerzas.
Dobarro Bodé ha recibido numerosas distinciones, entre ellas, el Primer Premio de Pintura Joven, Sociedad Hebraica Argentina, 1974, la Medalla de Oro de la Universidad de Belgrano, Premio de la Bienal de Arquitectura MANLIBA, 1989, la Mención Especial del Jurado del Premio Hoechst, FABA, 1990.En 1992 recibió el Premio Konex en Técnicas Mixtas: Quinquenio 1987 - 1991.
En la actualidad, reside intermitentemente en Buenos Aires y Córdoba.
LADISLAO MAGYAR
Ladislao Magyar es un maestro en artes visuales nacido en Budapest, Hungría, en 1937, naturalizado argentino, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón como Profesor de Pintura, donde también ejerció la docencia en las cátedras de Pintura, Dibujo e Historia del Arte. Magyar fue comentarista de arte del boletín mensual de Radio Nacional. Hasta el presente ha llevado a cabo treinta exposiciones individuales de Pintura y de Dibujo y participó en aproximadamente trescientas muestras colectivas en Argentina y el exterior.
Magyar ha intervenido en varias oportunidades en el Premio Internacional de Dibujo Juan Miró en España, en Arteba, en Salones Nacionales, Provinciales y Municipales, de los cuales también ha sido jurado. Por su obra y trayectoria ha obtenido varias distinciones, entre ellas, el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Dibujo y Grabado en 1988. En la actualidad, sus obras pueden apreciarse en colecciones privadas en Argentina y en el exterior.
DIEGO PERROTTA
Diego Perrotta es un maestro y artista autodidacta nacido el 15 de febrero de 1973, en Buenos Aires. Estudió con Héctor Tessarolo, pintura y Carlos Tessarolo, dibujo, entre 1990 y 1992. Realizó el Taller de caligrafía, Marina Soria-Calígrafos del Sur en 2002 y el Taller de cerámica, Gunga Bourbotte entre 2003 y 2006.
La obra de Perrotta ha sido distinguida con la Mención Especial Dibujo, Bienal de Arte Joven, 1993, el Primer Premio Pintura, XVI Salón de Pintura Colegio Ward, la Mención Dibujo, Salón Municipal Manuel Belgrano, 1994, el Premio Mención Dibujo, Salón Nacional, el Tercer Premio Pintura, Salón Municipal Manuel Belgrano, la Mención de Honor Pintura, Premio Estímulo Banco de la Provincia de Buenos Aires, 1995, el Premio Pío Colivadino, la Mención Pintura Salón Nacional de Artes Plásticas, Seleccionado por Telefónica de Argentina para el Fondo de Pintura Joven, 1996, el Primer Premio a la Nueva Pintura, Mcdonald's, Palais de Glace, Premio Mención Grabado, Salón Municipal Manuel Belgrano, 1997, la Primera Mención, Salón Deutsche Bank, 1998, el Premio Fundación Pro Arte, Córdoba, el Primer Premio Pintura. Universidad del Salvador, la Mención de Honor en Grabado, Salón Nacional de Dibujo y Grabado, la Mención Pintura Premio Fundación Klemm, el Primer Premio Bonifacio del Carril "Pintura", otorgado por la Academia de Bellas Artes, el Premio Estímulo Pintura. Banco Provincia de Buenos Aires, 1999, el Primer Premio Estímulo Pintura, Banco Provincia de Buenos Aires, Mención Especial del jurado, Grabado, Municipalidad de Avellaneda, 2000, el Premio Mención de Pintura, Salón Banco Nación, Palais de Glace, 2003, el Tercer Premio Dibujo, Salón Municipal Manuel Belgrano, 2004, el Premio Regional de Pintura. Fundación OSDE, el Primer Premio Pintura, Salón Fundación Deloitte, el Tercer Premio Pintura, Salón Nacional de Artes Visuales, el Tercer Premio Dibujo, el Salón Nacional de Artes Visuales, la Primera Mención V Bienal de Pintura Paloma Alonso, 2005, el Segundo Premio Pintura, Salón Municipal Manuel Belgrano, el Segundo Premio Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, la Mención Premio Pintura, Salón Nacional UADE, 2006, el Primer Premio Pintura, Categoría Joven Artista, Salón Nacional Banco Central, el Segundo Premio Pintura, Salón Quinquela Martín, el Primer Premio, Salón Nacional de Dibujo, 2007, el Cuarto Premio Pintura, Salón Nacional de Pintura, Fundación Banco de la Nación, Buenos Aires, el Segundo Premio Dibujo, el Salón Manuel Belgrano, el Segundo Premio Pintura. Salón Nacional de Artes Visuales, 2008, el Primer Premio Pintura. Salón Municipal Manuel Belgrano, 2009, el Primer Premio Pintura. Salón Nacional de Artes Visuales, 2010, el Gran Premio Dibujo, Salón Nacional de Artes Visuales, el Primer Premio Dibujo, Salón Nacional de Santa Fe, 2011, el Primer Premio Pintura. Salón Nacional UADE, 2014.
